Thriller de cartón piedra

Robert De Niro, Edward Norton y Milla Jovovich son el trío de ases que engalana a Stone, una película sobre la espiritualidad y la redención que se entremezclan en un relato de corrupción carcelaría. Un film cuyo único punto fuerte es el de ver a estos tres conocidos actores trabajando al mismo tiempo, ya que en el resto de aspectos hace aguas por todos lados.

El neoyorquino John Curran, conocido por El velo pintado, es el encargado de dirigir este drama religioso fruto de una obra teatral del guionista Angus MacLachlan. Para su puesta a punto, decidió volver a reunir a De Niro y Norton en una misma película nueve años después de haber rodado, junto con legendario Marlon Brando, la aceptable The Score. El toque femenino lo proporciona la belleza ucraniana Milla Jovovich, quien se sumerje en un papel alejado de los que habitualmente realiza.

Tras un interesante prólogo inicial, vemos como Robert De Niro interpreta a Jack Mabry, un oficial de prisiones a punto de jubilarse y encargado de la revisión de los casos que están a punto de pasar la vista de la libertad condicional. Del informe que realice dependerá que Stone, un desequilibrado pirómano, salga de la cárcel. Para conseguir el indulto, el reo trata de convencer a Mabry de que está rehabilitado, al mismo tiempo que le pide a su licenciosa mujer que trate de persuadir al funcionario por todos los medios posibles.

A pesar de ser el proprio MacLachlan quien adapta la obra al formato cinematográfico, la historia no consigue despegar en ningún momento. El film está plagado de continuos panegíricos y evocaciones religiosas con las que se trata de hacer reflexionar al espectador, pero que lo único que logran es exasperarlo y confundirlo con su debate filosofal. Y es que a pesar de indagar en una temática profunda, la película no llega a trasmitir ninguno de los valores que quiere difundir, para finalizar adaptando una estética más propia de un producto televisivo para la sobremesa del domingo. Aunque eso sí, con un reparto de lujo.

Siguiendo con el hilo narrativo, se podría decir que el argumento aparenta estar bastante desaprovechado en general, pero sobre todo en algunos puntos concretos de la cinta. El más llamativo podría ser el del pequeño lapsus de seducción al que somete Jovovich a De Niro y que deja la sensación de ser resuelto con demasiada rapidez. Un elemento que se podría haberse estirado un poco más aprovechando el tirón del personaje que interpreta la famosa “cazadora de zombis”, y que, sin duda, es el más atractivo de la película.

Por estas razones, Stone se ve reducida a un continuo duelo interpretativo entre la terna de actores que protagonizan el film. Los tres realizan unas interpretaciones bastante elocuentes pero sin grandes alardes. Y a pesar de ello, hay que reconocer que son la única razón por la que el espectador es capaz de mantenerse sentado en la butaca. Por su lado, Currin, con una dirección un tanto apática y cargada de primeros planos, parece no saber controlar ni el devenir de la cinta, ni el potencial de sus actores, desperdiciando las inmensas posibilidades que tenía entre manos.

Stone se había vendido como un thriller carcelario con dosis de espiritualidad, pero no estaría de más cambiar esa fe religiosa por una fe de erratas para advertir al público de que, verdaderamente, se trata de un drama existencial con algunas escenas de sexo. Eso es a lo que finalmente se reduce, aunque se intente maquillar con una buena dosis de filosofía y superchería barata. Así pues, todo esto la convierte en un largometraje un tanto pretencioso que tal vez llegue a satisfacer a los espectadores más pacientes e interesados en la condición humana.

Túmulo tumultuoso

El guionista de la aclamada [·Rec] y director de varios cortos como La guerra o ...ya no puede caminar, Luis Berdejo, cruza el charco para debutar con su primer largometraje, La otra hija. Aunque, realmente, el donostiarra ya lo había cruzado hace un par de años cuando trabajó en Quarentine, el remake americano de la obra dirigida por Jaume Balageró y Paco Plaza. Para su estreno, Berdejo eligió un género que conoce bien, el de terror, poniéndose a los mandos de un film en donde se entremezcla el drama familiar y el thriller paranormal. Pero desgraciadamente, su debut no ha sido muy espectacular que digamos, ya que en los Estados Unidos la película ha salido directamente en DVD, mientras que en nuestras salas ha pasado casi desapercibida para el público en general.

La historia está basada en un relato del novelista irlandés John Connolly, y que posteriormente fue adaptada por el guionista John Travis, quien ha concebido una trama con más agujeros que un queso gruyer. Y es que da la sensación de que el argumento es alargado como un chicle con el único fin de poder rebasar la frontera de la hora y media de duración. De esta manera se nos presenta a John James, un novelista recientemente divorciado que decide mudarse con sus hijos a una apartada villa de un pequeño pueblecito de Carolina del Sur. Nada más llegar, comienzan a percibir sucesos extraños en el lugar, así como un repentino cambio en la personalidad de la hija. Alertado por los acontecimientos, John comienza a investigar el pasado de la casa y descubre que todos los hechos parecen tener algún tipo de relación con un misteriosos túmulo funerario de origen indio cercano al inmueble.

Conforme pasan los minutos, la estética del padre que debe cuidar de sus dos hijos en un entorno solitario y en el que comienzan a acontecer fenómenos inexplicables no deja de recordar, en cierta medida, a la película Señales de M. Night Shyamalan. Y como la cinta del realizador hindú, La otra hija comienza apuntando buenas maneras, ya que no se trata de un film impregnado con los típicos sustos y asesinatos a cascoporro, sino un largometraje de terror psicológico y suspense sobrenatural. Lo que gracias a la cuidada ambientación, el buen manejo de la cámara de Berdejo y la banda sonora cargada de profundos tonos agudos y elaborada por Fernando Navarrete, consigue mantener en vilo al espectador durante su primera mitad. Sin embargo, una vez que se destapa el pastel, como también le ocurre a Señales, la película pierde interés a pasos agigantados, a lo que se le une un atropellado final que desmerece todo el trabajo técnico anterior.

Para esta primera puesta en escena, Berdejo cuenta con la colaboración del mítico Kevin Costner, quien sigue sin levantar cabeza desde su fiasco en Waterworld, y eso que intentado con empeño reconducir su carrera en múltiples ocasiones. En esta nueva oportunidad se viste de padre inexperto y toma las riendas de la película consiguiendo una actuación bastante digna. Mientras, en el otro lado de la balanza nos encontramos a Ivana Baquero, la niña protagonista de El laberinto del fauno, que con un eficiente papel de hija descarriada vuelve a demostrar el prometedor futuro que le espera a esta jovencísima actriz.

Por lo que parece, Luis Berdejo hace lo que puede con lo que tiene, ya que la calidad artística es intachable pero el resultado final deja bastante que desear debido a una historia que chirría en su desenlace y que ofrece muchas incógnitas sin resolver. Y eso sin contar el sinfín de reiterativos clichés “made in Hollywood” que atesora el film. Ahora, tras finalizar su aventura americana, el guipuzcoano dejará las cámara por un tiempo para ponerse a trabajar en varios guiones que ya tiene concertados, y entre los que destaca la precuela de [·Rec].

Muerte entre las piedras

“El que esté sin pecado, que tire la primera piedra”. Con esta simple frase Jesús de Nazaret calmó a una turba de manifestantes que querían apedrear a una mujer acusada de adulterio. O al menos eso es lo que nos cuenta San Juan en sus evangelios. Sin embargo, la que no tuvo tanta suerte fue Soraya Manutchehri, una iraní que en 1986 fue acusada de infidelidad y lapidada por ello. Un triste relato que recogió el periodista Freidoune Sahebjam y que, posteriormente, convirtió en un best seller llamado The Stoning of Soraya M..

Más de veinte años después de aquellos sucesos, el director de origen persa Cyrus Nowrasteh decidió adaptar la historia de Soraya a la gran pantalla con La verdad de Soraya M.. Un film que llega ahora a nuestras pantallas, pero que ya fue estrenado en 2008 en el Festival de Cine de Toronto, donde obtuvo el premio del público. Galardón que repitió en el Festival de Los Ángeles un año más tarde.

Siguiendo la línea argumental del libro, Nowrasteh nos adentra en un remoto pueblecito del Irán de los Ayatolás, donde la providencia hace que el reportero de guerra franco-iraní Freidoune Sabhejam vaya a parar por una desgraciada avería. Mientras espera a que su coche sea arreglado, una misteriosa mujer le relatará los hechos que ocurrieron unas horas antes en aquel lugar y que llevaron a la lapidación de su sobrina.

Por lo tanto, el film se muestra como un largo flashback, donde se narra la vida cotidiana de los lugareños, así como los motivos por los que se desencadena el drama. Filmada como una película de denuncia, La verdad de Soraya M. es realmente una cinta muy interesante por los hechos que narra pero que peca de grandilocuencia y sensacionalismo. Y es que en ocasiones parece confeccionada con el único de fin de horrorizar a los espectadores con la calvario que sufre la protagonista. De esta manera, según avanza la película, su trama se vuelve reiterativa y aunque no resulta ni larga ni aburrida, sus 116 minutos si que se presentan como excesivos para contar lo que a la postre parece una historia mucho más corta de la que se relata.

Por contra, el film cuenta con otras grandes virtudes como son la estupenda ambientación conseguida y la bella fotografía que, sin duda, traslada al público a lo más profundo del corazón de Irán. Todo ello acompañado de una banda sonora llena de ritmos árabes pero que pasa casi de puntillas por el largometraje.

En cuanto al reparto, todos los integrantes, a excepción de James Caviezel que da vida al propio Freidoune Sabhejam, son de origen iraní, aunque la película sea de producción estadounidense. Un elenco que realiza una magnifica labor, pero en el que habría que destacar la sorprendente, a la vez que brillante, interpretación que desarrolla la casi desconocida Mozhan Marnò como Soraya. Al igual que el trabajo de la nominada al Oscar por Casa de arena y niebla, Shohreh Aghdashloo en el papel de Zahra, y quien aporta un plus de calidad al film, aunque en algún momento se la vea un poco sobreactuada.

Tras un final que nos rememora a La pasión de Cristo, curioso que también Caviezel esté de por medio, el film nos recuerda que aún hoy en día un número incontable de mujeres todavía tienen que vivir sin derechos y soportar los tratos vejatorios que sufrió Soraya. Al mismo tiempo que muchas otras aún son condenadas a morir lapidadas en una práctica que todavía es ejercida en varios países del mundo.

A dos metros bajo tierra

En la oscuridad aparece una luz. El rostro de un hombre, desfigurado por el pánico, examina su alrededor. No hay duda. Está dentro de un ataúd. Trata de salir, pero es imposible, se encuentra a varios metros bajo tierra. El Zippo que le ilumina y el destartalado móvil que le acompañan son las únicas razones por las que no pierde la cabeza. Necesita escapar, tiene que hacerlo antes de que consuma todo el oxígeno o antes de que el terror le consuma a él.

Esto es Buried, una arriesgada película que nos entierra en la claustrofobia más extrema y que nos sumerge en la espeluznante idea de ser enterrados vivos. Se trata del segundo largometraje del director gallego Rodrigo Cortés, tras su estreno en 2007 con Concursante, y quien ha hilado un angustioso thriller tan original como rompedor, al cual algunos lo han llegado a comparar con las obras del mismísimo Alfred Hitchcock.

Buried es todo un ejercicio minimalista, únicamente cuenta con una sola ubicación y con un solo actor. Toda la acción se desarrolla dentro de un ataúd, y choca ver como Cortés no utiliza en ningún momento flashbacks o epílogos temporales. Simplemente va al grano, ofreciendo 90 minutos de suspense puro y duro.

Rodrigo Cortés recoge el guión de Chris Sparling y por el que nadie habría apostado ni un céntimo. Nadie pensaba que fuese posible realizarse. Sin embargo, Cortés vio que tenía potencial, apostó por él y ganó el envite. Cierto que es una película muy singular, pero tiene la virtud de conseguir que la tensión no decaiga en ningún momento, manteniéndote alerta constantemente. Una historia que cuenta con la angustia y la luz como protagonistas principales. Ellas son el hilo conductor de una trama en la que aflorarán todos nuestros más profundos temores: el miedo a la oscuridad, a la soledad, a sentirse encerrado y, finalmente, a la muerte. Todos ellos harán que nos sintamos como el pobre diablo encerrado en el ataúd, es decir, sin apenas aliento. Y es que esto no es película de miedo convencional. Esto es terror psicológico de verdad. Cortés nos entierra con cada plano, con cada llamada con la que el protagonista no obtiene resultado hasta sepultarnos con un trepidante y agitado final.

Pese a la limitación espacial que ofrece una caja de madera, el director español nos sorprende con la cantidad de encuadres y movimientos de cámara que vemos en pantalla. Algo que sin duda ameniza el desarrollo del film.
A todo esto, aún no he mencionado el espléndido trabajo que también realiza el único actor de Buried, Ryan Reynols. El canadiense, conocido por sus papeles en Smokin' Aces, X-men Originis: Wolverine o próximamente como Green Lanten, borda una interpretación sobre la que recae todo el peso del film. A lo que hay que añadir la tremenda profesionalidad de Reynols, quien se pasó 17 días seguidos tumbado dentro del ataúd, lo que le provocó acabar el rodaje con la espalda completamente destrozada y llena de úlceras.

Así pues, Rodrigo Cortés nos deleita con una de las mayores y más positivas sorpresas de este año. Un experimento cinematográfico que le sale a la perfección, y que lleva impreso un mensaje crítico hacia el sistema burócrata que nos domina. Todo un ejemplo a seguir para los nuevos talentos. Y es que no es necesario un gran presupuesto para realizar una buena película, tan solo basta con tener una buena idea.

El villano enamorado de la luna

Seguimos con el cine de animación, y en esta ocasión con la nueva película que está causando sensación,Gru, mi villano favorito. Se trata del primer largometraje de la compañía Illumination Entertainment, creada en 2007 por antiguo presidente de la 20th Century Fox Animation, Chris Meledandri y que cuenta con el guión del animador barcelonés Sergio Pablos. La obra ha sido producida por la Universal Pictures, en la cual todo el mundo se debe estar frotando las manos ya que Gru se ha convertido en toda una sorpresa en las taquillas estadounidenses. Y no es para menos, ya que desde su estreno el pasado 9 de julio, la cinta ha recaudado más de 200 millones de dólares. También en nuestros cines está arrasando, y ya le ha arrebatado el liderato a Híncame el diente.

Pinocho del futuro

¿Es un niño? ¿Es un robot? ¡No! Es Astroboy, la película que adapta a la gran pantalla el popular manga de Osamu Tezuka. Estrenada recientemente en nuestro país, se trata de una propuesta simple, pero a la vez, bien construida y sin muchas pretensiones en general, más que las de revivir al viejo personaje robótico y ser un entretenimiento para grandes y pequeños.

Dirigida por el inglés David Bowers, director de Ratónpolis y colaborador de otras cintas de animación como El príncipe de Egipto o Chicken run, Astroboy se queda a medio camino entre el anime y el cine más comercial e infantil. Parece que Bowers ha querido, al mismo tiempo, agradar a los fans pero sin cerrarse la suculenta puerta por la que entran los niños al cine. De esta manera, el film nos presenta una trama sencilla pero fiel al cómic y a las diversas series de animación que siguieron a éste, aunque sin adentrarse en todos los conceptos que Tezuka quiso ofrecer en su historia.

Un alto en los Abruzos

Un paisaje nevado. Una pequeña casita en medio de Suecia. Una pareja de amantes en su interior. Todo parece idílico, pero en el fondo no es así. Uno de ellos, no es quien dice ser. Realmente, es un sicario con un corazón tan frío como la nieve que les rodea. Así es como comienza El americano, el último trabajo de George Clooney, dirigido el famoso fotógrafo y director de videoclips Anton Corbjin.

Marcada como un thiller, El americano dista mucho de lo que hoy en día entendemos como cine de acción. Con ritmo pausado, el film se centra en Jack/ Mr. Buttelfly, un reputado asesino a sueldo que deberá esconderse en un pequeño pueblecito italiano, después de que su paso por Suecia no saliera como estaba previsto. Pero mientras disfruta de una existencia lejos de la muerte, otro encargo le es comunicado.

¡Jovovich y los zombis! ¡Toma cuatro!

Uno ya sabe a lo que se expone cuando va a ver Resident Evil 4: Afterlife, pero aún así confía en que el film supere las pocas expectativas que se tienen de él. Y no solamente no las supera, sino que, aunque parezca mentira, ni siquiera se aproxima a ellas. Además, lo peor de todo es que el señor Paul W.S. Anderson volvía a ponerse tras la cámara; recordemos que es el guionista y productor de la franquicia, el marido la bella Milla Jovovich y fue el director de la primera entrega; para hacer resucitar la saga. Y viendo los resultados, parece que ha obtenido lo que esperaba: un moribundo zombi.

El film original no es que fuera una maravilla, pero al menos tenía un guión bien estructurado, algo de intriga y se adecuaba en mayor o en menor medida al videojuego. En su secuela, la cosa cambió, y lo único que los fans pudieron llevarse a la boca fue el ver a Némesis haciendo de las suyas por Racoon City. Y ya en la tercera parte la calidad bajo un poco más mientras veíamos como Alice masacraba zombis en el desierto de Nevada. Ahora, en Resident Evil: Afterlife se retoma la historia donde la dejamos, es decir, con nuestra heroína inmersa en su venganza contra la compañía “Umbrella”, la responsable de toda esta pesadilla. Tras ello, intentará reunirse con sus amigos en Arcadia, el único lugar al que parece que no ha llegado el temido “Virus-T”.

Espía como puedas

Al parecer Lara Croft se ha cambiado el nombre y ahora se dedica a trabajar para la CIA, o al menos eso es lo único que he conseguido sacar en claro de la última producción protagonizada por Angelina Jolie, Salt. Una película que no posee mayores pretensiones que la de ser un mero entretenimiento pasajero y para que el protagonista de turno se luzca ante las cámaras.

Salt es una combinado entre las películas de James Bond y la trilogía de Bourne bajo un marco argumental que pretende reavivar la Guerra Fría y las “macroconspiraciones” para destruir a los Estado Unidos. Para diferenciarse un poco del resto de películas de espionaje, a los productores no se les ocurrió otra cosa que el protagonista fuera en este caso una mujer, y ofreciéndoselo a una famélica Angelina Jolie. Aunque, eso sí, todo ello después de que Tom Cruise rechazara el papel por verlo demasiado similar al que representó en Misión: Imposible como el agente Ethan Hunt, y con el que se consagró como icono del cine de acción.

Sorpresa en el tatami

Parece que los 80 siguen de moda en Hollywood, y como muestra el nuevo “remake” sobre un clásico de aquella época que ha llegado a nuestras pantallas. En esta ocasión se trata de la revisualización de la mítica The Karate Kid de John G. Avildsen. Algo que ha primera vista podría horrorizarnos con solo hecho de recordar los infames “remakes” a los que nos tienen acostumbrados los genios del cine últimamente. Pero he aquí cuando la sorpresa cuando descubrimos que la nueva visión del director noruego Harald Zwart se encuentra a la altura de la cinta original, algo que tampoco es que sea toda un proeza, que el antiguo film tenía su encanto pero no era ninguna obra maestra, dicho sea de paso.

Están locos estos romanos

¿Qué ocurriría si juntásemos la esencia de Gladiator con el contexto de El rey Arturo, la fotografía de El señor de los anillos y la sanguinolencia de 300 elevada al cubo? Pues que como resultado obtendríamos Centurión, la última película del británico Neil Marshall. Un film que se ha vendido como si de una gran superproducción se tratase, pero nada más lejos de la realidad, ya que Centurión tiene más pinta de “TV movie” o película de serie B que de un producto para la gran pantalla.

Tras el fiasco que resultó La última legión, Marshall vuelve a recuperar del olvido a la legendaria IX legión “Hispana” que defendió las fronteras del Imperio Romano en la antigua Britania. De esta manera, el director inglés nos traslada al año 117 de nuestra era, con el pueblo Picto tratando de sobrepasar las líneas romanas y alterando la relativa tranquilidad de la provincia. La novena es enviada para “apaciguar” la rebelión, pero en su camino caen en una brutal emboscada en la que solamente unos pocos soldados logran sobrevivir. Ahora, estos supervivientes tendrán que seguir luchando por sus vidas mientras tratan de volver hasta el territorio controlado por el Imperio.

Viejas armas de destrucción masiva

El veterano Sylverter Stallone vuelve a enfundarse a sus 64 años, quien lo diría, su viejo traje de batalla para repartir estopa a todo el que se ponga por delante. Pero, lo curioso del tema es que en esta ocasión no viene solo. Stallone se ha traído a sus amigos. Todo un elenco de tipos duros del cine de acción. Todos ellos reunidos en Los Mercenarios.

Actores como Bruce Willis, Jason Statham, Jet Li, Dolph Lundgren, Eric Roberts o Mickey Rourke se entremezclan en esta orgía de violencia y testosterona que Stallone ha producido para el placer de cualquier amante del cine de acción. Cierto es que faltan algunas otras viejas glorias como Danny Trejo, Chuck Norris o Wesley Snipes, pero es que no había sitio para todos. Aunque el bueno de Stallone si que había reservado un hueco en la trama a un par de antiguos “killers” como son Jean Claude Van-Damme y Steven Seagal. Pero, finalmente, ambos decidieron declinar la oferta por diversos motivos. Mala decisión.

Falso despertar

Christopher Nolan se viste de Morfeo, y no me refiero a Lawrence Fishburn, en Origen para ofrecernos un relato onírico sobre la psique humana. Una película que ha sido aguardada con expectación por crítica y público desde el comienzo de su rodaje. Pero Nolan ha sabido tejer a su alrededor un grueso manto de misterio. Y es que al inglés siempre le ha gustado ocultar sus cartas hasta el último momento para así poder ver las caras de asombro de los espectadores. Una manía que es bastante de agradecer, dicho sea de paso.

Con Origen, el director londinense ha querido ir un poco más lejos en su intención de seguir redibujando el cine actual. Y si por algo se caracteriza Nolan es por ser un tipo ambicioso, además de un trabajador concienzudo. Todas sus obras están pensadas y estudiadas al milímetro. Todo forma parte de su plan. Un plan tan magníficamente diseñado como el del Joker en El Caballero oscuro. Nada lo deja al azar. Esto mismo es lo que vuelve a ocurrir con su última obra. Nolan nos presenta un guión perfectamente calculado, y mediante el cual nos traslada a un escenario futurista para después adentrarnos en los misteriosos terrenos del subconsciente humano. Con el paso de los minutos, los sueños de nuestros protagonistas se van confundiendo con la realidad, formando una especie de mundos paralelos en donde todo está interconectado. Un sueño dentro de otro sueño, que a su vez está dentro de otro sueño, y así sucesivamente... Como si de una muñeca rusa se tratase. ¿Dónde ha empezado el sueño y dónde ha terminado? ¿Quién sabe?

Algo muy recomendable cuando se trata de una obra de Christopher Nolan es volver a visualizarla una segunda vez para poder captar todas las ideas que están inmersas en ella. Origen no es una excepción. Todo lo contrario, una segunda lectura es casi obligatoria ya que su guión metafísico nos sumerge en los submundos de los sueños, donde nada es lo que parece ser. Un proyecto grandioso que Nolan ya llevaba rumiando en su mente desde la adolescencia. En los últimos diez años fue dando forma a la idea, hasta que, finalmente, ha terminado por conseguirlo.

Un presupuesto de 121 millones de dólares y un gran elenco de estrellas, muchas de las cuales ya habían trabajo con Nolan con anterioridad, han hecho posible su sueño. Un maduro Leonardo DiCaprio es el encargado de protagonizar el film con un papel muy similar al que ya realizó en Shutter Island. Entre el resto de caras conocidas, destacan las de Ken Watanabe, Cillian Murphy, Ellen Page, Marion Cotillard, Tom Berenger, Joseph Gordon Levitt o Michel Kaine, quien realiza, más bien, un pequeño “cameo” en el film.

Origen es un film intelectual por dentro con un aspecto comercial por fuera. Por ello no han tardado en colgarle el sambenito de “película rompedora”. Y a pesar de que se trata de un film muy original, podemos observar como Nolan bebe de otras cintas de ciencia ficción, como Dark City de Alex Proyas o Matrix de los hermanos Wachowski, para darle forma a la suya.

No por ello deja de tener calidad. “Origen” tiene la virtud de enganchar al espectador y no soltarlo hasta los créditos finales, a pesar de sus 150 minutos de metraje, y contar con una genial banda sonora producida por el maestro Hans Zimmer. Todo ello la convierte en una película magnífica, imprescindible para los amantes del género, pero aún así, tildarla de obra maestra o hito de la ciencia ficción, como ya se está haciendo, es pasarse un poco. Origen es una gran película, pero no creo que pueda medirse con los pesos pesados de la categoría, como son los Alien, Blade Runner o 2001: Una odisea del espacio.

Por cierto, ni siquiera he dicho sobre de que trata Origen... Bueno, pensándolo mejor, no voy a hacerlo, así quien quiera saberlo tendrá que ir a su cine más próximo para descubrirlo. Eso sí, no se olviden de llevar la mente despejada. Y sobretodo, no se duerman, porque ¿quién sabe qué podría ocurrir?

Cuando los planes no salen tan bien

“En 1972, un comando compuesto por cuatro de los mejores hombres ejercito americano fueron encarcelados por un delito que no habían cometido. No tardaron en fugarse de la prisión en la que se encontraban recluidos. Hoy, buscados todavía por el gobierno, sobreviven como soldados de fortuna. Si usted tiene algún problema y se los encuentra, quizás pueda contratarlos… El equipo A.”

Así comenzaba esta mítica serie de los 80 que causó furor en aquella época. Ahora, casi treinta años después de su estreno, los chicos de Hollywood han decidido recuperar a este particular cuarteto y homenajear su memoria con una película. Eso sí, las cosas, respecto a la serie original, han cambiado mucho.

Par empezar, nuestros protagonistas ya no son unos veteranos de la guerra de Vietman, sino de la guerra de Iraq. También han modernizado sus armas, e incluso su forma de hacer las cosas, ya que no deja de llamar la atención que el Equipo A se cargue a los malos, algo que nunca sucedió en la serie.

Un juego de niños

Resulta muy complicado encontrar trilogías cinematográficas en las que todas sus partes gocen de una verdadera calidad. En la que ninguna de ellas defraude a los espectadores. Sagas tan buenas como para pasar a la historia del cine. Pocas son las que podremos mencionar: El señor de los anillos, El padrino, La trilogía del dólar,… Y es que Hollywood tiene la no tan sana costumbre de reventar sus mejores relatos realizando nuevas películas que en muchos casos resultan del todo innecesarias y no llegan ni a la suela de los zapatos a sus antecesoras. Todo ello para seguir exprimiendo a la gallina de los “huevos de oro”. Pero al final, la avaricia rompe el saco. Afortunadamente, éste no es uno de esos casos, ya que hoy tenemos entre manos a Toy Story 3, el último episodio que pone el punto final a la que podría ser la mejor trilogía de animación realizada hasta el momento.

Pixar tenía que ser. Quien sino iba a ser capaz de levantar el listón cinematográfico en este caluroso verano. Toy Story 3 ofrece un nuevo giro de tuerca a los personajes que tanto nos sorprendieron hace ya quince años. En ella, además de Andy, nuestros protagonistas siguen madurando y deslumbrándonos con la humanidad que tanto John Lasseter como ahora Lee Unkrich han sabido trasladarles. Y es que nunca fue tan cierta la fantástica idea infantil de que los juguetes están vivos.

¡Gora San Fermín y... Olé!

Llevo ya tiempo diciendo que en Hollywood están faltos de ideas, y con cada nuevo estreno dejan más constancia de ello. Y es que ya no se trata de hacer cine sino de atraer a la gente a él. De esta manera, llegó a nuestras pantallas el simulacro de película que lleva por nombre Noche y día, cuyo mayor atractivo es ver juntos en acción a dos superestrellas como Tom Cruise y Cameron Díaz. Y digo mayor, por no decir único.

El argumento de Noche y día es más simple que el mecanismo de un porrón: un espía de la CIA (Tom Cruise) se fuga con un valioso objeto de investigación al conocer que su compañero planeaba robarlo y vendérselo a un traficante de armas español (Jordi Mollà). Y en medio de este fregado, aparece una bella dama (Cameron Díaz) que se ve involucrada en todo esto por culpa del susodicho espía. Ahora ambos tendrán que escapar de la policía y los mafiosos que les persiguen. Lo mejor de todo, es que para construir esta sesuda historia hayan sido necesarios cinco guionistas. Impresionante.

Y colorín colorado, este cuento se ha acabado

Soy de los que piensan que al termino de la tercera entrega, Shrek ya era feliz. Estaba casado con Fiona, tenía tres pequeños retoños, no le faltaban buenos amigos y,lo más importante de todo, había vuelto a su amada ciénaga. Entonces, ¿para qué realizar la cuarta parte? Bueno, pues porque esta última película fue un verdadero desastre y ahora con Shrek: felices para siempre, “Dreamworks” ha querido finalizar la historia con un buen sabor de boca, al mismo tiempo que se le daba una “muerte digna” a la saga del ogro más famoso de la historia.

Tras el magnífico soplo de aire fresco que supuso el estreno de Shrek, allá por el 2001, y tras su irónica continuación, “Dreamworks” rizó el rizó y nos regaló la infausta Shrek tercero. Una soberana patochada que desmerecía todo el trabajo que se había realizado hasta el momento. Ahora, y tras ese mal trago, nos llega el capitulo final, la última aventura a la que tendrá que enfrentarse el bueno de Shrek antes de gozar de la feliz vida que le espera.

Sin embargo, Shrek: felices para siempre es un capitulo totalmente prescindible en la saga. No aporta nada nuevo. Y todos lo saben. Los productores lo saben. El director lo sabe. Los actores que prestan su voz a los diversos personajes del film lo saben. Incluso el propio Shrek lo sabe. Pero, al mismo tiempo, era necesario llevarla a cabo. La saga de Shrek no se merecía terminar de aquella funesta manera. Y sin que esta última parte sea nada del otro mundo, al menos es un punto y final bastante honroso.

Ahora, nuestro héroe verde favorito, con el permiso de Hulk, claro, goza de una vida monótona y hogareña con su querida familia. Shrek debería ser feliz, pero no lo es. En su interior vuelve a añorar su vida de ogro soltero. Tiempos en los que era temido y respetado, y no como ahora que le toman todos por “el pito de un sereno”. A todo esto, aparece un nuevo villano, Rumpelstiltskin, quien le ofrece la oportunidad de revivir la antigua vida que tanto anhela. Pero Shrek es engañado por el maléfico duende y transportado a un universo paralelo en el que tendrá que volver a conquistar el corazón de Fiona si quiere recuperar a su familia.

Shrek: felices para siempre no nos ofrece la originalidad de la primera, ni la mordacidad de la segunda, pero al menos nos engancha y nos divierte durante los 75 minutos aproximados que dura el largometraje. La verdad es que “Dreamworks” no ha querido arriesgar nada con este film, no vaya a ser que volviesen a meter la pata, y nos ofrece una historia facilona, con la única novedad de mostrarnos un mundo de cuento de hadas muy diferente al que habíamos visto hasta el momento. En esta ocasión, los clásicos personajes secundarios quedan un poco más apartados de lo habitual para dar entrada a un nuevo villano, Rumpelstiltskin, quien no deja de ser un buen antagonista, pero que no llega a la altura del Hada madrina o de Lord Farquaad. Por otra parte, el dúo cómico Shrek- Asno sigue funcionando, aunque con menos chispa que antes. Y pese a que siempre hay un gato con botas o un hombre de jengibre, grandioso en esta última entrega, para sacarles las castañas del fuego, Shrek 4 resulta un poco manida y repetitiva en ocasiones.

Con Shrek: felices para siempre, “Dreamworks” cierra una saga muy ventajosa que le ha proporcionado mucho, mucho dinero y fama. Pero todo cuento debe tener su final, aunque éste no sea más que un final clásico para un no tan clásico cuento de hadas. Sin embargo, y como dice un viejo refrán, “Hollywood no cierra una puerta, sin abrir una ventana”, así que los guionistas de la empresa americana ya están trabajando en el “Spin-off” que piensan hacer sobre uno de los personajes secundarios más famosos del reino de “Muy, muy lejano”, y no es otro que...(tachán, tachán) el gato con botas.

La parada de los monstruos

¡Pasen! ¡Pasen y vean! ¡El circo ha llegado a la ciudad! ¡Pasen y asómbrense con la mujer barbuda. Conozcan al chico-serpiente, o estremézcanse con nuestro vampiro domador de arañas! Sí, efectivamente, he dicho vampiro. Y es que los “no muertos” están, últimamente, hasta en la sopa, de sangre por supuesto. En esta ocasión nos encontramos con la que podríamos denominar como la hermana menor de la saga Crepúsculo. Al igual que ella, la película está basada en una serie de novelas conocidas como Cirque du Freak: The saga of Darren Shan. Una colección de doce libros de corte juvenil que relatan las aventuras de Darren, un joven que de la noche a la mañana debe convertirse en vampiro para así poder salvar la vida a su mejor amigo.

Film que abrió el FANT 2010 de Bilbao (festival de cine fantástico y de terror), aunque recientemente estrenada en nuestros cines, El circo de los extraños parte de una premisa interesante, llena de fantasía y con capacidad suficiente como para haber sido un producto al que “hincarle el diente” con agrado. Sin embargo, termina convirtiéndose en algo predefinido y cotidiano, echando por tierra toda la ilusión que crea al principio.

Tras un inicio atrayente y atractivo, poco a poco va perdiendo fuerza, volviéndose cada vez más vulgar hasta el punto de que uno termina desquiciado y preguntándose donde ha dejado ese par de estacas afiladas que tan buen uso les daría ahora. Y es que con un guion endeble y falto de carisma solo nos queda una historia liviana, sin giros sorprendentes y que sólo podrá gustar a los más pequeños de la casa y a aquellos que busquen una película simple y sin complicaciones argumentales.

Probablemente lo mejor del film sea su oscuro ambiente sobrenatural, la buena fotografía de la que hace gala y la cuidada iluminación que presenta en ciertas partes del film. Pero, seguramente, lo más seductor de todo sea la fantasmagórica galería de personajes con la que nos encontramos. Toda una serie de protagonistas a cada cual más extraño y con su propia característica personal, ya sea una atroz deformidad o un fantástico superpoder. Como si en vez de en una carpa circense nos encontrásemos en el instituto para jóvenes talentos del profesor Charles Xavier. Aunque para el hombre lobo parece que no quedó mucho presupuesto...

Otro de los detalles más destacados de El circo de los extraños es la cantidad de caras famosas que podemos reconocer a lo largo film. Entre ellas se distingue la de Salma Hayek como la mujer barbuda, la de Willem Dafoe como un noble vampiro, la de Ken Watanabe como el maestro de ceremonias o la de el legionario Tito Pullo, quiero decir, Ray Stevenson como el terrible Murlaugh. Toda una bonita colección de estrellas. Lastima que ninguna brille en el horizonte. Pero el que se lleva la palma es el protagonista, Chris Massoglia, quien parece realmente un muerto viviente, y no porque se haya metido de lleno en su papel.

A todo esto, ni siquiera hemos mencionado quien es el director de la película de hoy. Bueno, pues se trata del neoyorquino Paul Weitz, cuyas obras más famosas son, sin duda, la alocada American pie y la reconocida Un niño grande. Como curiosidad mencionar que a Crepúsculo y El circo de los extraños les unen ciertas similitudes: vampiros, jóvenes adolescentes, etc. Pero tambiénlos “lazos de sangre”, ya que el hermano pequeño de Paul Weitz, Chris Weitz, fue el encargado de dirigir Luna nueva, segunda parte de la saga de Twilight.

En fin, El circo de los extraños puede ser una alternativa agradable para el aburrimiento veraniego entre los jóvenes y los adolescentes, pero absténgase de ella el resto de los mortales. Por lo demás, quien sabe si tendremos aún circo para rato, ya que la historia continúa y pese al batacazo que se llevó en la taquilla americana, los dirigentes de Hollywood parece que le han cogido el gusto a eso de las secuelas y las trilogías así que no descartemos que tengamos una segunda función. Aunque, por mi parte, me parece que la próxima vez me pasaré a la competencia ya que he escuchado maravillas acerca del Circo del sol.

El bastardo de Mussolini

“Reto a Dios. Tiene cinco minutos para fulminarme. Si no lo hace, es que no existe”. Con esta brutal frase comienza Vincere de Marco Bellochio. Frase pronunciada por un joven sindicalista de carácter revolucionario llamado Benito Mussolini. Pero Vincere no nos habla sobre el ascenso al poder de “il Duce”, sino de la vida oculta que llevó durante años y de la cual apenas se sabe nada.

Bellochio comenzó a interesarse por el tema tras visionar el documental El secreto de Mussolini de Fabricio Laurenti y Gianfranco Norelli, y tras leer La mujer de Mussolini de Marzo Zeni y El hijo secreto del Duce de Alfredo Pieroni. Así, descubrió al personaje de Ida Dalser, quien se cree que fue la amante del dictador y del cual tuvo un hijo, Benito Albino Mussolini. Hijo que nunca fue reconocido, por supuesto, por “il Duce”.

Anatomía de Gray

Debo reconocer que cuando leí “El retrato de Dorian Gray”, hace muchos años, me pareció una novela un tanto tediosa. Sin embargo, el texto de Óscar Wilde ha pasado a la historia como una de las grandes obras jamás escritas. Esto ha sido así gracias a la potente carga lírica que encierran sus páginas y a la sutileza con la que se narran. En mi defensa alegaré que me esperaba algo más del libro y puede que mis expectativas fuesen muy elevadas...Pero, en fin, como esta no es una crítica literaria, sino cinematográfica, será mejor que pasemos a lo que nos compete.